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CEA Teatro


Ricardo Piris

Actor, Director, Docente Teatral, Escenógrafo, Artista Plástico, Dramaturgo.
En el área salud, coordinador de talleres de Teatro Terapia para rehabilitación
de personas con padecimientos mentales.

En 1982, bajo la dirección de Ricardo Piris (ex integrante del grupo Comuna Baires), se crea el Centro de Estudios Artísticos, en la calle Godoy Cruz 2553, del barrio de Palermo viejo, donde se desarrollan múltiples actividades culturales: Laboratorio teatral, talleres de dirección, antropología teatral, danza contemporánea, música, etc.
Se organizan muestras y encuentros con grupos del interior, asistencia técnica, giras y festivales de Escenario Abierto. Posteriormente se habilitó en la planta baja del edificio el Café Concert “Manuela Bar”, cuya programación incluía producciones generadas por C.E.A.Teatro.

En 1986, habiendo sido invitado a participar en el festival multimedial “Wiwargentina” en Milán, Italia, organiza el grupo “Mascaró” (nombre tomado del cuento de Haroldo Conti), y presenta las obras “La Cortina de Abalorios” de Ricardo Monti, y “Decir Sí” de Griselda Gambaro, en el “Actor’s Playhouse Baires International” del Autor, Actor y Director Renzo Casali, con el apoyo de la embajada y el consulado argentino en Italia. Dicho evento incluía cine argentino, con la proyección de las películas “Gerónima” de Raúl Tosso, “No habrá más penas ni olvidos” de Héctor Olivera, “Los chicos de la guerra” de Bebe Kamin, “Camila” de María L. Bemberg,"Tangos: El exilio de Gardel” de Pino Solanas, etc. Paralelamente a la presentación de las obras, Ricardo Piris es invitado a dar un seminario sobre Desbloqueo Expresivo y Actuación, para estudiantes y actores locales.

Entre 1996 y 1997, junto a la Directora Marta Serrano, fue coordinador de la Escuela Integral de Actuación de la Asociación Argentina de Actores.

En 1996 C.E.A.Teatro se traslada a la calle Moreno 1785, en el barrio de Congreso, hasta el año 2002, que vuelve a mudarse, esta vez a la calle Chile 1830, donde junto a la actriz y directora María DeGiorgio forman el Grupo de Teatro Rioplatense, abocándose a la producción de obras de autores clásicos nacionales : Florencio Sánchez, Armando Discépolo, Alberto Vacarezza, Humberto Costantini, Roberto Arlt, etc.También se organizan funciones homenaje a personalidades del teatro argentino como Onofre Lovero, Humberto Costantini, Roberto Arlt, etc. Finalmente, en el año 2010, C.E.A.Teatro se instala en Virrey Cevallos 172, donde mantiene sus actividades teatrales y pedagógicas hasta 2015, año en que cierra sus puertas. La actividad de Ricardo Piris en el área de salud mental, dictando talleres de Teatro Terapia en instituciones varias, comienza en el año 2011, y continúa actualmente.

Trayectoria

Talleres

Desbloqueo expresivo y actuación

Niveles: Principiantes, Avanzados, Training para actores en actividad, Formación de grupos de auto gestión y Asistencia técnica a grupos constituidos

*Cursos especiales: bailarines danza contemporánea, arte-terapeutas y oradores


Training #1


Cotidianeidad y extra-cotidianeidad hablan de distintas formas de ubicarse en el mundo, de vivenciar la forma espacio-tiempo y determinan comportamientos e instrumentaciones corporales diferentes

La relación tiempo-espacio en el comportamiento cotidiano genera una forma de utilizar el cuerpo, que a grandes rasgos, podríamos definir como funcionamiento económico a nivel energías, de carácter esencialmente utilitario, ya que tiende a obtener un máximo rendimiento con un mínimo esfuerzo. El uso extra-cotidiano del cuerpo va en sentido inverso: una circulación consciente con un mayor costo de energías para un mismo movimiento. Es un disparador, un viaje a lo intangible, a lo que está más allá de la percepción cotidiana. Las técnicas extra-cotidianas apuntan a la manifestación de una calidad de energía que vuelve pre-expresivo al actor y/o bailarín, es decir que le confiere una fuerte presencia escénica, aún antes de comenzar a expresar algo.



Training #2

Podríamos definir al training como una herramienta de autoconocimiento, de auto disciplina que nos permite desarrollar nuestros reflejos, potenciar nuestra manera creativa de pensar, y desplegar al máximo nuestro comportamiento escénico.


Ritmo: Considerando que el ritmo es distinto según el individuo (un ritmo vital más veloz o más lento), lo llamamos ritmo orgánico en el sentido de variación, de pulsación. Basamos el training en este ritmo, auténtico latido transformador del actor que difiere de una persona a otra, para, paulatinamente a través del trabajo ir personalizándolo hasta volverlo individual, dado que para el entrenamiento del individuo-actor no existe un "método" universalmente válido pues cada uno tiene una corporalidad, una voz y un pensar diferente, que no se emplean de la misma manera, además de que también existen distintas búsquedas y concepciones sobre la forma de hacer teatro.


Trabajo psico-físico: Consideramos al actor como un poeta que escribe con el cuerpo. Por lo tanto, trabajamos en ese sentido con ejercicios que comprometen a todo el organismo psico-físico permitiéndole reaccionar totalmente, adaptándose a la situación que surge. Se ponen en juego las propias energías: durante su entrenamiento el actor las puede proyectar "dibujando" trazos que trascienden la presencia física, hacerlas estallar, dejar que fluyan y jugar con ellas, generando líneas de fuerza en el espacio.


Improvisación: Decodificación de los temas a improvisar. Técnicas propias, y elementos de los métodos de Sanford Meisner y William Layton. Reconectar con los impulsos, reconocer patrones de comportamiento, entrenar el imaginario y desarrollar la concentración para poder vivir con verdad bajo circunstancias imaginarias.


Escenario: Estudio del Monólogo, Escenas de Obras, Obras, Creación Colectiva y Dramaturgia del Actor.



Otros temas de taller:


Es importante una vez que se ha comenzado a transitar lo que puede llamarse el "estilo personal", mantener su "afinación" con una constante práctica del mismo, ya que solo así se descubren y potencian al máximo las fuentes creativas personales, se alcanza una condición de presencialidad total, y se logra un avance ininterrumpido del actor hacia la plenitud de su arte.

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